La significación del encuadre en la plaza de Tienanmen

Stuart-Franklin-Tienanmen-005Siempre es interesante cuando un fotógrafo habla sobre la historia detrás de una foto y del momento de su toma. Esto se incrementa si el caso es una foto que quedó en la historia tanto del mundo como de la fotografía. Me crucé con este artículo en el que Stuart Franklin habla de cómo fue que llegó a tomar la famosa foto del estudiante, que armado solamente con lo que parecen bolsas de mercado, se enfrenta a una fila de imponentes tanques de guerra que se acercaban a la plaza de Tienanmen.

Mientras leía el artículo, recordaba una clase que di este miércoles a unos alumnos de periodismo escolar de Aldea sobre la fotografía y el periodismo. Dentro del contenido del taller estaba el encuadre. Como sabemos, lo que está fuera del encuadre no existe desde el punto de vista fotográfico. Entonces, Imaginemos por un momento que solamente tenemos una imagen para decir lo que queremos. No se nos permitirá hablar o escribir sobre la foto o lo que implicó tomarla. No nos quedaría otra opción que ser muy cuidadosos y disciplinados en cuanto a la composición de nuestra fotografía. Sin embargo, no hace falta imaginarnos eso. Los fotógrafos debemos ser así. Lamentablemente, sobran los fotógrafos con aspiraciones de operador de ametralladora que disparan sin siquiera ver que fotografían.

Volviendo a la fotografía de la plaza de Tienanmen, esa fotografía quizás por sí sola no nos da detalles sobre dónde sucedió o qué sucedió propiamente. A pesar de ello, la fotografía es sumamente universal. Un sólo ser humano se enfrenta a una fila de tanques diseñados para la destrucción. El espíritu humano frente a la maquinaria bélica. Ahí está la importancia del encuadre para un fotógrafo. Sólo hizo falta colocar a esos elementos dentro del encuadre. Me atrevo a especular al decir que quizás Franklin tenía visión de la plaza misma, “donde estaba ocurriendo la historia”. Aún así, él prefirió fijarse en un evento que, si bien no era la historia central, decía mucho más de lo que quizás podía expresar la imagen de los estudiantes concentrados en la plaza. Esto, sin considerar el gran valor que tiene la imagen dada las restricción que había impuesto el régimen chino a los periodistas.

Yo sabía poco más de lo que se ve en la imagen hasta que leí el artículo. Básicamente, se conjugaron todos los elementos para que la foto fuera tomada. Entre esos elementos estoy contando el instinto del fotógrafo de saber que algo estaba pasando en frente de él, a pesar de no ser en las condiciones idóneas y de que él en primer lugar no estaba seguro de tener una imagen que se convertiría en una foto tan representativa.

Fotógrafa destacada: Shannon Taggart

gingerShannon Taggart es posiblemente la fotógrafa más joven que ha sido destacada en este blog. A pesar de su juventud, Taggart posee un talento interminable. Para mi fue un verdadero y placentero descubrimiento personal. Es una fotógrafa residenciada en Brooklyn, Nueva York. Ha trabajado en varias publicaciones de importancia pero lo que me gustaría destacar de ella son sus trabajos personales. En especial, una serie de retratos en tres volúmenes que fue por la cual la encontré. Sus retratos, además de ser innovadores y originales, poseen un carácter etéreo. Muchos contienen cierta tensión de la situación. El enfoque, repito, es verdaderamente original. Me atrevería a decir que es la serie de retratos más original que he visto en buen tiempo. Entre sus otros trabajos están dos para destacar: Nuns (Monjas) y The Spiritualists (Los Espiritualistas). La coherencia visual de esta fotógrafa se ve claramente entre estos tres trabajos. En una entrevista hecha por Featureshoot.com, Taggart declara que a ella le parece muy atractiva la idea de tratar de traducir al medio visual conceptos abstractos como puede ser la fe. Su trabajo, en general, apunta en esa dirección. En mi opinión, es bastante exitosa en tratar de ejecutar esa idea. En definitiva, PDN acertó al seleccionarla como una de las fotógrafas menores de 30 años dignas de ver.

Un fin. Dos soportes

en-el-gimnasioHace poco tuve una discusión con mi amiga y colega Erika sobre el uso del color y el blanco y negro dentro de una misma serie. Erika es una fotógrafa que se dedica exclusivamente a la fotografía de color (pueden ver algo de su trabajo acá). De hecho, una imagen de Erika suele caracterizarse por tener colores bastante saturados y un nivel considerable de contraste. Ella me comentaba que no entendía cómo yo podía usar ambos soportes en el mismo proyecto. Esto me llamo mucho la atención dado a que el viejo dilema entre la fotografía a color y la blanco y negro estaba implícito en esa conversación.

Una de las cosas que más me sorprendió fue el hecho de que un trabajo en ambos soportes le causara tanto choque visual. Hay que decir que Erika (así como yo) entra dentro del grupo de fotógrafos que dan por sentado el uso de cualquiera de los dos soportes. El uso de color o b/n ya estaba más que establecido cuando cualquiera de los dos comenzamos con la cámara. El tema de cuál soporte se debe usar ya tenía sus años. Sin embargo, esa conversación me hizo recordar que una gran mayoría de fotógrafos se especializan en uno de los dos tipos de fotografías. O eres fotógrafo a color o a b/n.

Lucha diariaEn lo personal considero que si alguien quiere ser un fotógrafo completo debe saber utilizar ambos soportes a la perfección. Ernst Haas, quién fue un gran fotógrafo en ambos soportes, comentaba que en muchos fotógrafos se especializaba con uno de los soportes por su inhabilidad en manejar ambos correctamente. Haas decía, “no se debe juzgar a un fotógrafo por el tipo de película que usa sino por cómo la usa”. Otro fotógrafo, Rodrigo Benavides, compartía algunas de sus ideas al respecto y sus comentarios van muy de la mano con lo que explicaba Haas. Para Benavides “es una cuestión de contenidos. El soporte debe servir a un propósito. Hay que esmerarse en entender para qué usas un soporte y por qué lo usas”.

Yo pensaba que una discusión sobre este tema estaba ya desactualizada dado a la estabilización en el uso de tanto b/n y color. Sin embargo, pareciera que temas como este siempre están renovándose a sí mismos. Con la entrada de la fotografía al mundo digital pareciera que la pregunta de “cuál rollo usar” ya no está presente. Pero esa pregunta ha demostrado ser solamente una extensión de lo que realmente debe pasar por la mente del fotógrafo a la hora de disparar la cámara: “¿qué necesito para hacer de esta imagen una buena foto?

Palmeros de Chacao: La Preparación

Como siempre, la Semana Santa caraqueña comienza con la llegada de los palmeros de Chacao. Ellos se encargan de traer la palma del cerro el Ávila. Es una tradición que tiene alrededor de 230 años y se inició como una promesa para erradicar la fiebre amarilla que azotaba a la capital entonces.

Sin visualización no hay fotografía

Misterio en la cuevaMe topé con este pequeño artículo de The Spinning head que habla brevemente sobre la visualización dentro de la fotografía. El post me hizo recordar que en los años que he estudiado en el Núcleo Fotosensible se ha hecho muchísimo énfasis en la visualización. Asumo que en todas las escuelas es así.  La imagen se hace (visualiza) en la cabeza y luego se toma. La prueba más clara la tuve cuando participé en el curso de fotografía invidente. La visualización es el arma más poderosa que tienen los fotógrafos ciegos y videntes por igual.

La visualización ha caído cada vez más en desuso por el hecho de que las cámaras “hacen todo por uno” y, como dice Asim Rafiqui en The Spinning head, las interminables posibilidades del “eso se deja para post-producción”. Sí, la tecnología ha abierto muchas puertas pero una cámara, por ejemplo, no sabe encuadrar o cuál es el momento ideal para disparar. Quien utiliza el autofoco o dispara en ráfaga se aleja cada vez más de lo que significa ser un verdadero fotógrafo. En esos casos se delegan habilidades fundamentales del arte a un aparato.

Hay quien argumentará que la fotografía es el acto de oprimir el botón disparador. Pienso que eso es caer en simplismos. Fotografíar es un proceso. Es la investigación previa cuando te embarcas en un proyecto documental. Es el estudio de recursos plásticos, pictoricos y fotosensibles a la hora de una serie creativa. Oprimir el botón disparador es fotografíar pero es sólo una parte. Es la ejecución de todo los que se pensó e investigó para llegar al momento donde tienes la imagen que quieres captar frente del fotógrafo.

FotógrafA de la semana: Olivia Arthur

Olivia ArthurTenía semanas pensando en hacer la reseña sobre alguna mujer fotógrafa dado a que lamentablemente no hay muchas. Al menos están en desventaja numérica con respecto a los hombres. Por eso, tomando en cuenta a que el domingo pasado fue el día de la mujer, les presento a Olivia Arthur como un pequeño homenaje al sexo fuerte. Me hubiera gustado poder hacerlo antes pero el trabajo ha estado afortunadamente intenso.

Pequeña biografía:

Olivia Arthur, fotógrafa nominada para pertenecer a la agencia Magnum, estudió matématica en Oxford y luego foto periodismo en la Escuela de Comunicaciones de Londrés. Luego de eso, vive dos años en India trabajando como fotógrafa independiente. En 2006, comienza a hacer una residencia en La Fabrica de Italia. Con sólo 29 años ya promete convertirse en uno de los grandes nombres de la fotografía documental.

Arthur a desarrollado el tema de la feminidad con gran profundidad. Parte de su trabajo se ha centrado en paises del medio oriente y turquía donde existe una mayor represión hacia el género femenino. Sus imágenes tienen una calidad intimista, y una vision sobre la mujer, que pocos fotógrafos han sido capaces de captar. Las limitaciones, ambiciones, angustias, la soledad y fortaleza de sus sujetos están todas contenidas en sus imagenes. Les recomiendo que le echen un vistazo a su trabajo llamado Beyond the veil (Más allá del velo) donde podrán ver todas estas cualidades fotográficas. Es todo un placer y por demás un orgullo saber que están hechas por una fotógrafA.

Fotógrafo de la semana: W. Eugene Smith

smith_pittsburgh_goggles2Un grande. Un maestro. Un histórico. Un clásico. En fin, un favorito. W. Eugene Smith es posiblemente uno de los fotógrafos con la personalidad más fuerte y, al mismo tiempo, un sentido humanitario inigualable. Smith siempre cubrió eventos en los que los protagonistas eran personas en situaciones de desventaja o difíciles y héroes anónimos (como es el caso de “Country doctor”); pero además con un innegable espíritu humanista. Smith retrato temas como la dureza de la guerra sobre los soldados, los pocos milagros que pueden ocurrir en ella y las duras condiciones de los trabajadores de acero de Pittsburgh, Pensilvania. Él creyó firmemente en el poder de la imagen para cambiar una situación o crear conciencia sobre un problema que quizás no afectaba directamente al espectador. Sin duda, lo logró con su trabajo.

También fue uno de los pioneros de lo hoy en día se llama el ensayo fotográfico llevándolo casi a dimensiones épicas. Su trabajo de Pittsburg se convirtió en casi una obsesión y pasó de un encargo de algunos meses de duración a una obra maestra que tomó más de tres años en realizarse, y que además el mismo fotógrafo nunca consideró completa.

Su obstinación por contar las historias a su manera y su extrema atención a los detalles lo llevó a tener problemas con publicaciones como Life magazine y Newsweek. En el caso de la primera. renunció porque no estuvo de acuerdo con el tratamiento que hizo la revista con uno de sus encargos. En el caso de la segunda, fue despedido por resistirse a usar cámaras de formato medio como se lo pedía la revista. Estas actitudes le dieron la libertad de escoger sus encargos a la larga.

Les remito un par de links donde pueden encontrar fotografías hechas por Eugene Smith y artículos escritos sobre él. Lamentablemente no pude encontrar información que estuviera en castellano.

W. Eugene Smith en Magnum

Smith en Masters of Photography